Di scintille e seconde possibilità. La recensione di Soul, il nuovo film Pixar rilasciato su Disney+

Parliamone.

Ancora una volta una major come la Walt Disney Pictures non si limita a vivere un periodo storico che tutti noi ricorderemo e tramanderemo per generazioni, bensì ne cavalca l’onda lasciando un’impronta a forma di topolino che plasmerà non di poco il futuro della filiera in cui la compagnia opera con la sua casa di produzione dal 1923 (e chissà cosa ci riserverà il centenario!). Da tre mesi a questa parte il colosso dell’entertainment fa questo dettando una linea da seguire per il cinema e i cinema di tutto il mondo, intraprendendo cioè la via dello streaming come sostituto alla sala e quindi fungendo da spartiacque tra un prima e un dopo la situazione che stiamo vivendo. Una sostituzione che, lo sappiamo e lo speriamo, tornerà a essere una semplice alternativa nel momento in cui vedremo di fronte a noi qualcosa di simile a un’insegna d’uscita (Pagemaster are u?) e le porte di cinema, teatri e musei saranno nuovamente aperte.

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La testa d’ariete di questa nuova strategia è stato senz’altro il live action di Mulan, che solo le prime settimane ha incassato ‘sul divano’ di nove paesi più del Tenet di Nolan nelle sale di tutto il mondo (261mln v. 207mln). Il fatto che Mulan sia stato rilasciato a pagamento anche per gli abbonati ha fatto storcere il naso a non poche persone, tra cui il sottoscritto, ma al tempo stesso si è rivelata innegabilmente una mossa vincente per la compagnia. All’efficacia di questo primo stress test della piattaforma si è aggiunto un velo di lungimiranza che ha portato, l’8 ottobre, all’annuncio dell’esclusiva Disney+ anche per il film programmato per il periodo più importante dell’anno a livello di palinsesto cinematografico, ovvero quello natalizio. Questo accadeva prima che in Italia richiudessero i cinema (24 ottobre) e al tempo stesso succedeva nel momento in cui in tutto il mondo molti esercenti chiudevano bottega per prevenzione o come conseguenza delle recenti perdite di guadagno.

Parliamo di Soul, il 23° lungometraggio d’animazione prodotto dagli studi Pixar e “distribuito” dalla Walt Disney Studio Motion Pictures. Un film che si presenta in tutto e per tutto, a partire dai teaser e poi dal primo trailer ufficiale, un potenziale gioiellino destinato a conquistarci.

L’opera, scritta e diretta nientepopodimeno che da Peter Docter (Up, Inside Out) e Kemp Powers (Star Trek: Discovery) segue le vicende di Joe Gardner (Jamie Foxx) insegnante di musica delle medie alle prese con l’inseguimento della sua chimera personale. Joe vuole infatti vivere della sua più grande passione, la musica, ma a frapporsi tra lui e il suo sogno c’è il villain più mostruoso e imbattibile mai presentato in un film d’animazione Disney Pixar: la vita.

Dopo Up il tema non sarebbe così inedito, se non fosse che, al contrario di Carl, Joe non ha a disposizione una casa volante, un boy-scout o banalmente la vecchiaia per riscattare un sogno perduto. A frapporsi a sua volta tra Joe e la vita, quindi, c’è invece un tombino.

Media vita in morte sumus, a un passo dalla felicità Joe Gardner si risveglia a cavallo tra il mondo dei vivi e il Great Beyond (banalmente l’aldilà) insieme ad altre anime in procinto di passare ‘oltre’. Resiliente all’idea di perdere tutto proprio quando ce l’ha quasi fatta, Joe si ribella al proprio destino e si ritrova in un’altra dimensione ancora, il Great Before, dove uno staff di improbabili addetti di nome Jerry instrada le anime alla definizione di una personalità base e quindi alla nascita.

Vedendo nel Great Before la sua unica via d’uscita per tornare sulla Terra, Joe decide di spacciarsi per mentore e trovare quindi un escamotage per ricongiungersi al suo corpo. Gli viene assegnata l’anima 22 (Tina Fay) caso ritenuto disperato dai Jerry in quanto nessuno è ancora riuscito a farle trovare una Scintilla, ovvero l’ultimo tassello che le consentirà di affacciarsi alla vita.

Si instaura da subito un doppio irresistibile che darà, è il caso di dirlo, il la al rapporto tra i due protagonisti e alle loro vicende. Segue una commedia degli equivoci in parte inaspettata e al tempo stesso non così sorprendente.

Rimane forte il tema, la sua complessità e una risoluzione dello stesso matura e realistica, laddove il realismo di cui parliamo prescinde da anime, oltre mondi, ante mondi e chi più ne ha più ne metta. Joe è un personaggio fuori dal comune e al tempo stesso in linea con un mood narrativo inaugurato proprio con film come Inside Out o il più recente Onward. Qui il topos della crescita lascia il posto (solo in parte) alla ricerca prima della felicità e poi di se stessi, che poi più che una scoperta qui parliamo di un confronto e infine di un’accettazione. Al termine della visione ho pensato che c’est la vie sarebbe stato un titolo ancor più azzeccato per Soul, e mentre scrivo ne sono ancora convinto.

Protagonista attempato, tema adulto, morte e aldilà. Soul non è un film per bambini! Se anche voi la pensate così, chiudete prima questa recensione, “chiudete l’internet” e poi tutti i Disney Store del mondo, dal momento in cui se dovessimo bollare tutti i film Disney e affini che non parlano esclusivamente di principesse e supereroi perderemmo metà del merchandising e dei titoli dell’ultimo ventennio, a partire dall’universo di Toy Story ma non solo.

A classici d’animazione che parlano di amori platonici, brutali omicidi e stupri (sì, non lascerei baciare mia figlia nel sonno da un tipo che ha conosciuto nel bosco) da qualche anno a questa parte, complice il suo allargarsi a dismisura, i film a marchio Disney parlano finalmente a tutti, grandi, piccini e addirittura alla terza età. Questo vale anche per le principesse già citate: basti pensare a come Frozen abbia spostato il focus del vero amore dal vincolo di genere a un amore universale, anche tra sorelle, o come Tangled ci mostri un lato mostruoso della genitorialità che non si augura a nessun pargolo innocente eppure esiste eccome (e poco importa se Madre Gothel non sia il vero genitore, Rapunzel la vede come sua madre e così farà il bambino destinato a empatizzare con la principessa). Principesse senza prìncipi, “Bing Bong Bing Bong”, umarell protagonisti, Woody senza Andy, la Walt Disney Pictures -e soprattutto la Pixar- ci accompagna da tempo dall’altra parte dello specchio e ci mostra un nuovo modo di immaginare per riflettere sul mondo che ci circonda, sognare per svegliarci. In questo senso Soul non poteva mancare all’appello e sì, è un film anche e sopratutto per bambini, eterni sognatori e anime perdute (e se qualche genitore ha da ridire sulla rappresentazione di quest’ultime, torni ad avere incubi sugli elefanti rosa di Dumbo).

Quindi Soul è un capolavoro. No, o meglio io non sono riuscito a percepirlo come tale. Se il film di Docter si conferma infatti un gioiellino dal punto di vista della delicatezza dell’immagine e dell’animazione, finanche del racconto e del tema trattato, al termine della visione ho scoperto mio malgrado di non essere rimasto incantato come invece mi è successo con altri titoli recentissimi. Mi è accaduto per esempio con il già citato Onward, in arrivo in questi giorni anche nel catalogo italiano, dove una fantastica avventura che si prende decisamente meno sul serio fa da sfondo a un’utopica ricerca, che si schianta sul finale contro una realtà in cui la magia è solo uno tra i tanti strumenti con i quali scoprire qualcosa in più su di noi, su chi c’è accanto e su chi non c’è più. A sua volta Inside Out mi aveva conquistato con la sua empirica semplicità della rappresentazione, cruda e minimale al tempo stesso, quasi laboratoriale, elementare ma al tempo stesso matura e non scontata; Con Coco trattenni le lacrime più di una volta; i primi minuti di Up ancora non mi è possibile riuscirci (primi minuti che presi in solitudine fanno un cortometraggio bello che finito, e valgono tutto il film); Toy Story 3 e Toy Story 4 non so neanche se riuscirò mai a rivederli, tanto che mi hanno spezzato il cuore e fatto fare i conti con più di una riflessione su quella parte di bambino che in me non c’è più.

Sarà la scelta del finale, al quale siamo poco abituati e che forse non ci aspettavamo, sarà l’eccessivo hype partorito dall’attesa e dall’entusiasmo dei primi feedback di amici e utenti in rete. Fatto sta che dal mio punto di vista a Soul manca qualcosa. In un certo senso, è come se qualcosa in me non avesse ‘jazzato’.

Qual’è la scintilla mancante? In Joe Gardner ho trovato tanto di me, tanto della mia generazione e soprattutto del mondo che mi circonda. In questo senso il film mi ha parlato eccome, e tanto parla ai bambini che lo vedranno e potranno usarlo come strumento per apprendere, riflettere e reagire a una rappresentazione del mondo, della vita e delle aspirazioni da cui forse i genitori tentano invece di proteggerli inutilmente. Il film aiuta in questo senso anche molti adulti che non sanno che cosa fare della propria vita, che vivono per lavorare e non lavorano per vivere, o che si dannano giorno dopo giorno per inseguire le proprie passioni, perdendo o ignorando l’entusiasmo di vivere che ritroviamo in 22 mano a mano che progrediamo nella visione.

Concludo promuovendo questo film seppur non a pieni voti e mi ricollego a quanto detto all’inizio di questa recensione, denotando come possibile scintilla mancante in Soul proprio la sala cinematografica. Il cinema, lo abbiamo imparato in questi mesi come mai prima d’ora, non si limita esclusivamente all’esperienza in loco. Da ormai un ventennio esistono prodotti high concept che nascono e quindi si prestano per essere visti su diverse piattaforme, diversi schermi e diversi mezzi. Universi transmediali che hanno fatto della serialità televisiva un medium che non ha ormai più nulla da invidiare al grande schermo e dell’home video non solo uno strumento di distribuzione.

Tuttavia, esistono ancora prodotti che nascono per essere visti in primis al buio, con un secchio di pop-corn in grembo, e ritengo che Soul sia tra questi. Lo testimonia una sorprendentemente convenzionale scena post-credit in cui vediamo il contabile Terry che ci esorta a tornare a casa in quanto il film è finito. Siamo ai livelli dell’epilogo di Alladin (il film d’animazione del 1992, non il live action del 2019) nulla di più eclatante per tradire oserei dire in maniera anche un po’ goffa la fruizione ‘a domicilio’. Soul nasce dunque per la sala e subito penso a come certe cose mi sarebbero arrivate diversamente su un grande schermo e con un impianto audio che non fosse quello della mia televisione. Chi ha amato un film al cinema per poi ricredersi, anche solo in minima parte, a una seconda visione su dvd, blu-ray o in streaming, sa di cosa sto parlando senza scomodare per forza James Cameron o il Mad Max di Miller.

Se siete arrivati fin qui e non avete ancora visto Soul correte a recuperarlo e poi fatemi sapere. Consigliatissimo (se non obbligatorio) in lingua originale!

Lo sapevi? Adesso Homme dans la lune è anche su Instagram! scopri che voto ho dato al film e accedi a tanti altri contenuti e approfondimenti!

‘Star Wars: Episode IX – The Rise of Skywalker’ it’s a trap. A review from a galaxy far far away…

“I think approaching any creative process with [making fandom happy] would be a mistake that would lead to probably the exact opposite result”

Rian Johnson, in “INDIWIRE”, 16 dec 19

Dec 2019

The saga it’s ended, but the story will live on forever. And the history, you know, is written by the winners.

In Star Wars: Episode IX – The Rise of Skywalker the only winner is certainly J.J Abrams who comes back from the future after a two years-and-a-chapter exile, meanwhile his colleague Ryan Johnson won the sequel trilogy bet with his The Last Jedi.

In two word, TRS is a conservative film and as such will particularly appeal to those who so far have not accepted the new narrative arc.

TRS it’s a trap, the rise of the reactionary audience that as palpatine has pulled the strings of the whole thing. A movie that largely rewrites the innovations of its predecessor, cancelling the reforming and iconoclastic impetuosity of TLJ and abjuring the foundations of narrative progress laid by Johnson. The result is inevitably a trilogy written film by film, without a premeditated linear storyline. A product that undermines the high concept nature of a complex universe like Star Wars, offering a jumble of nostalgia and precariousness of meaning that the audience, but also the protagonists of the new trilogy, did not deserve.

“I think approaching any creative process with [making fandoms happy] would be a mistake” says Rian Johnson, this month in theaters with his new film Knives Out. To associate narrative quality with audience happiness often, to paraphrase Johnson, leads to the opposite result.

Precisely for this reason I find myself blasting a film that I’ve been waiting for so long and a trilogy that I’ve loved and defended with a lightsaber treated until today. I was there when very few people could take the hit of The Force Awakens, I knew that after all it was a chapter aimed at bringing together several generations of audiences and that the real challenge would be the next film. So I rejoiced when I confirmed that TLJ could be said to be an additional piece in a saga that was apparently bent on itself, something no one had ever said before and an offering of courageous and unexpected values and ideas. Always for all these reasons I seriously believed in the perspective of TRS.

First came the truth about Rey’s origins, a truth we didn’t need because TLJ’s answer was more than enough. Then came the constant feints of a spineless film that throws in events that are an end in themselves and have no real consequences for the fate of the characters. The few tears are wiped away with a denial in the next scene, the solid convictions dismantled with resolutions that are often not credible or completely wrong.

A movie written for the fans. So Rose remains little more than wallpaper, Luke knew everything and did nothing, the Knights of Ren reduced to a futile skit, unlimited enemy resources as inexplicable, characters disappear and entire situations are reset. We return to the simple struggle between Good and Evil and the Jedi Order, so much questioned in the previous chapter, back to triumph with no chance for discussion; the Skywalkers, despite the fact that the heroine of the story bears a different surname, once again restore the balance in the Force (and in the Saga). But history, as we have said, is written by the winners, so doesn’t matter if in the final scene there is no place for the ghosts of Anakin and Ben Solo, the sides of the Force remain clearly distinct where we wished for a range of grays that would have opened the door to as many possibilities.

The horizon suddenly became flat, the galaxy impossibly small. An entire film could have been devoted to the Rebels regaining credibility and energy, a grand finale would have opened up a universal Force within the reach of all and not just one legacy.

Rey herself comes to terms with an origin that she then decides to deny in a final scene where, with roles reversed, something could have been said. If she had been the one to die and we had seen Ben go to Tatooine in her place to bury the past, we would have witnessed the “rise of a Skywalker” but also the realization of the dream shared for a moment by the two counterparts.

The yellow lightsaber is the real element that definitively betrays the farce, what should have been yet another twist to prove an overcoming of the past is instead an anchor firmly grounded and immovable, a stale and didactic return to the origins that provides for a Positive Side of the Force determined by a conservative and dynastic elite, a bit like the Star Wars audience.

Investire sull’intelligenza del pubblico. Netflix dice NO ai Fiction Disclaimer per The Crown.

Dalle pagine di Variety la conferma che Netflix non prenderà in considerazione alcun Disclaimer per specificare alcuni contenuti potenzialmente fittizi in The Crown.

La richiesta di aggiunta di tale specifica all’inizio di ciascun episodio arrivava la scorsa settimana dal Segretario alla Cultura Oliver Dowden il quale, in un’intervista al Daily Mail, comunicò il suo timore che “una generazione di spettatori che non hanno vissuto quegli eventi non avrebbero saputo distinguere tra finzione e realtà”.

Netflix si dice in disaccordo con tale visione e ribadisce che il pubblico è più consapevole di quegli aspetti nella narrazione di The Crown che sono da intendere come fittizi o romanzati. “The Crown è da sempre stato presentato come un drama – e siamo certi che il nostro pubblico comprenda appieno che si tratta di una fiction ampiamente basata su eventi storici. […] di conseguenza non abbiamo intenzione e necessità di aggiungere alcun disclaimer.

Dowden e la piattaforma streaming hanno continuato la discussione in sede privata. La quarta stagione di The Crown, ora su Netflix, vede la storyline della Royal Family avvicinarsi sempre più ai giorni nostri. Con Lady Diana tra i personali principali della stagione (insieme a una Margaret Tatcher magistralmente interpretata da Gillian Anderson) viene trattato anche un tema delicato come quello della bulimia su cui, in questo caso, lo spettatore è informato con un avviso sulla salute all’inizio di ciascun episodio.

Emma Corrin, che interpreta Diana Spencer, ha raccontato a Variety: “Sono state scene difficili da girare e ritengo che portare il tema sia stata una buona scelta, mi ha aiutato a comprendere meglio il personaggio nella sua sfera privata. All’uscita dal set in quei giorni apparivo parecchio esausta, perché in quei momenti stai interpretando un personaggio vero e finzionale al tempo stesso e devi immedesimarti con entrambi gli aspetti: sai di non pensare o provare certe cose, ma parte del tuo compito e capire com’è sentirsi in quello stato per rendere al meglio l’idea.

Link all’articolo originale: https://variety.com/2020/tv/news/the-crown-netflix-fiction-disclaimer-no-plans-1234847272/

Il cinema che verrà: da ‘Matrix 4’ a ‘Dune’, i film Warner Bros. previsti per il 2021 usciranno contemporaneamente in sala e su HBO Max

Quando la Warner Bros. ha annunciato che “Wonder Woman 1984” sarebbe atterrato su HBO Max a Natale, stesso periodo di debutto nelle sale, molti si aspettavano che fosse un esperimento isolato in risposta a una pandemia senza precedenti.

Al contrario, la compagnia ha appena annunciato che questa sarà la strategia dei prossimi 12 mesi. Con una mossa al tempo stesso storica, sorprendente ma anche opinabile, l’intero pannello 2021 della Warner Bros. – una lista di 17 film che include “The Matrix 4”, il remake di Denis Villeneuve “Dune”, l’adattamento musicale di Lin-Manuel Miranda “In the Heights”, il prequel di “Sopranos”, “The Many Saints of Newark” e “The Suicide Squad” – debutterà con le stesse date di uscita sia su HBO Max che in sala.

La scioccante scelta di pubblicare i day-and-date sottolinea la crisi delle sale cinematografiche e la crescente importanza dei servizi di streaming sulla scia di una crisi sanitaria globale che ha decimato la comunità degli esercenti cinematografici.

La lista delle uscite Warner Bors. del 2021 include anche il thriller di Denzel Washington “The Little Things”, il dramma biografico “Judas and the Black Messiah”, il live action di “Tom and Jerry”, “Godzilla vs. Kong”, l’adattamento di videogiochi “Mortal Kombat”, “Those Who Wish Me Dead” di Angelina Jolie, “The Conjuring: The Devil Made Me Do It”, “Space Jam: A New Legacy”, “Reminiscence” con Hugh Jackman, “Malignant” di James Wan e il drama sportivo di Will Smith “King Richard”.

Sul breve periodo la mossa inietterà linfa vitale alla piattaforma HBO Max, la cui sfida alle nuove major come Netflix è cominciata dalla scorsa primavera senza rappresentare una vera e propria minaccia per i competitor. Uno dei principali rivali di WarnerMedia, la Walt Disney Company, ha rafforzato il suo share price grazie all’investimento in offerte streaming come Disney+, nonostante i parchi a tema e le sue attività cinematografiche abbiano subito un crollo. Su questa falsa riga WarnerMedia e la sua società madre AT&T si stanno probabilmente muovendo con un occhio di riguardo su Wall Street.

Come “Wonder Woman 1984”, i film che la Warner Bros. prevede di pubblicare nel 2021 saranno disponibili per gli abbonati di HBO Max per 31 giorni. Dopo il termine di un mese, questi film saranno proiettati nelle sale cinematografiche solo fino a quando non raggiungeranno la tradizionale cornice dell’home entertainment. Da lì, le persone possono noleggiare questi titoli attraverso piattaforme online come Amazon, iTunes o Fandango. Non è chiaro quando i titoli torneranno su HBO Max.

La presidente e CEO di WarnerMedia, Ann Sarnoff, ha definito il modello come un “piano annuale”. I dirigenti dell’azienda hanno sottolineato che l’iniziativa non dovrebbe continuare nel 2022 in quanto viene considerata una soluzione temporanea in risposta alla crisi globale in corso.

“Viviamo in tempi senza precedenti che richiedono soluzioni creative, tra cui questa nuova iniziativa per il Warner Bros. Pictures Group”, ha dichiarato Sarnoff in una dichiarazione. Nessuno più di noi vuole che i film tornino sul grande schermo”. Sappiamo che i nuovi contenuti sono la linfa vitale dell’esposizione teatrale, ma dobbiamo bilanciare questo con la realtà che la maggior parte delle sale negli Stati Uniti probabilmente opereranno a capacità ridotta per tutto il 2021[…] Con questo piano annuale possiamo sostenere i nostri partner con un’offerta costante di film di livello mondiale, dando anche agli spettatori che non hanno accesso alle sale o che non sono ancora pronti a tornare al cinema la possibilità di vedere i nostri fantastici film del 2021. La consideriamo una vittoria per gli amanti del cinema e per gli esercenti, e siamo estremamente grati ai nostri partner cinematografici per aver lavorato con noi su questa risposta innovativa a queste circostanze”

Al link l’articolo originale di Variety: https://variety.com/2020/film/news/warner-bros-hbo-max-theaters-dune-matrix-4-1234845342/

Netflix e il circo del bigottismo. La blasfema recensione di Dolly Parton’s Christmas on the Square

Prima o poi sarebbe successo. Chi mi segue lo sa, amo i musical e i film di Natale come il pane con un cubetto di cioccolato fondente. Belli, brutti o naïf, non ricordo un film del genere che non rivedrei volentieri.
Ebbene, in questo dannato 2020 Dolly Parton e Netflix sono riusciti in un colpo solo a farmi cambiare idea.


Dolly Parton’s Christmas on the Square è un’oscenità. Una fiera della cristianità e dell’ipocrisia che fa sanguinare gli occhi e le orecchie, un prodotto non solo di bassa qualità ma dagli intenti infimi e dannosi per l’evoluzione della specie.


Da dove cominciare? Un uomo reo di avere portato via il bambino alla figlia viene celebrato come eroe dalla stessa e dall’intera comunità; Un padre prega Dio che la sua bambina, investita da un pirata della strada, raggiunga la madre in Cielo anziché pregare perché si salvi; Un ingombrante angelo (interpretato dalla Parton, che avevo appena rivisto nel bellissimo Steel Magnolias) si impegna per mobilitare ogni personaggio a risolvere le proprie turbe per poi risolvere tutto lei con uno spruzzo di fede: così una donna rimane incinta dello spirito santo; la bambina in coma sopra citata, sebbene la protagonista abbia chiamato il miglior specialista da fuori città, si risveglia d’incanto con sorpresa del padre che – lo abbiamo detto – avrebbe preferito vederla morta; Il bimbo da cui la protagonista è stata separata è sempre stato lì sotto il suo naso ed è chiaramente il pastore del gregge (chi altri se no?) che subito comincia a cantare, dall’altare della sua chiesa, inneggiando all’amore e alla bontà d’animo.


Ci sono poi elementi prettamente narrativi la cui superficialità rasenta l’insulto: un tumore al cervello trattato come un tema irrilevante come tanti altri, un tema che appare e scompare per magia; l’esproprio di un’intera comunità (incipit del film) per nulla attuale e decisamente illogico, dal momento in cui non si capisce con quale autorità la protagonista si arroghi un tale diritto se non quello di essere la figlia del sindaco da poco scomparso (sì, lo stesso che le ha tolto il bambino appena nato e che adesso è l’eroe da ricordare e decantare dal momento in cui evidentemente “lo ha fatto per lei”, perché non fosse vista male dalla gente); Non si capisce infine perché la protagonista ce l’abbia con il bottegaio, presunto amore della sua vita, se non per un equivoco che o è già stato risolto in passato, o non verrà mai chiarito.


Accompagna il tutto un apparato di canzoni, musiche e coreografie piatte, insignificanti, bigotte e – ancora una volta – offensive per l’intelligenza e la maturità dello spettatore. Dolly Parton, non me ne vogliano gli amanti della cantautrice, non funziona e anzi ostacola la credibilità della visione. La sua performance, in questo caso, avrebbe avuto più senso sul palco della sala convegni di un hotel di Las Vegas.

La partecipazione di Christine Baranski a un circo del genere poi, è un insulto tanto alla sua carriera quanto al pubblico che sperava di assistere a un film brutto sì, ma nella declinazione del brutto cui Netflix ci ha abituato negli ultimi anni con il suo repertorio natalizio senza fondo.

Dolly Parton’s Christmas on the Square è un insulto al Natale, al cinema, alla televisione, a ogni medium e a ogni essere umano dotato di un briciolo di intelligenza e dignità. Un prodotto da bocciare a mani basse insieme ai messaggi negativi da esso veicolati.

Aspettando Halloween – 31 film da paura per porre fine a un anno da incubo

Trick or treat, trick or treat: Give me some movies nice and sweet.

Per gli appassionati di questa festa anche nostra (sì, Giordano, sto guardando proprio te – ti sto guardando malissimo) Halloween è alle porte ormai da metà settembre.

Con la vigilia di ottobre, tuttavia, si iniziano a vedere immagini, percepire profumi e atmosfere che possono essere toccate con mano. Iniziano i giorni in cui io e la mia ragazza raccogliamo foglie secche ai Giardini Margherita di Bologna per decorare casa e iniziamo ad acquistare nuovi addobbi da aggiungere a quelli degli anni scorsi.

A ottobre la mia magione diventa una casa infestata, un rito colorato per esorcizzare e festeggiare la morte come parte della vita, il tutto condito con il consueto immaginario di zucche, ragnatele e würstel mummia che non si può non amare.

Tra le cose che adoro in assoluto di Halloween ci sono ovviamente i film e gli episodi a tema delle mie serie tv preferite. Se l’anno scorso ho quindi stilato un elenco di 10+1 film e serie da guardarsi aspettando Halloween, vorrei dedicare quest’edizione a chi come il sottoscritto è appassionato, tra le altre cose, dei più grandi titoli horror del cinema del passato e presente. Per questo Aspettando Halloween tenteremo dunque di fare le cose in grande e portare la lista a 31 film, uno per ogni giorno dal 1 al 31 ottobre, sulla falsa riga di quanto feci all’apertura del blog con il mio calendario dell’avvento.

Come sempre siete invitati a condividere i vostri film da paura con chi legge, nei commenti dell’articolo o sotto il post sui canali social. Allarghiamo la nostra ragnatela di consigli per la visione e guardiamo sotto il letto prima di dirci al sicuro … che l’incubo abbia inizio!

  1. 28 Days Later (D. Boyle, 2002)

Londra. A quattro settimane dall’esplosione di un misterioso e incurabile virus, un gruppo di sopravvissuti si mette in viaggio per cercare un rifugio sicuro.

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CR20 – Fate il varietà non la guerra. Il restauro in anteprima mondiale di F.T.A (F*** the Army)

Al ritiro del mio accredito presso le casse del Cinema Ritrovato mi sono accorto da subito di non riconoscere il film riportato sulla shopper di quest’anno. Incuriosito sono corso a informarmi e ho segnato un bel cerchio di promemoria sul programma del Festival alla voce F.T.A.

Salta fuori che F.T.A, acronimo di F*** the Army, è un fantasma. Quando uscì nelle sale durò poco più di una settimana tra New York, Los Angeles e Chicago prima di sprofondare nel dimenticatoio. Un dimenticatoio non poi così profondo per gli appassionati del genere documentaristico a sfondo sociale e antimilitaristico, ma sufficientemente profondo da far sì che da lì in poi il tema cui faceva riferimento venisse del tutto trascurato nelle successive trasposizioni cinematografiche sullo stesso periodo.

Quale sia questo tema è presto detto: non tutti i soldati statunitensi, i cosiddetti G.I, volevano imbracciare i fucili e combattere una guerra che non ritenevano essere la loro. “Neri, bianchi e gialli” preferivano risolvere i problemi coi quali erano costretti a convivere in casa propria, l’odio razziale, il precariato e compagnia cantante, anziché partire e crearne di nuovi in paesi altrui.

Si contano certo titoli incredibili tra i war movie ambientati durante il Vietnam, senza scomodare De Palma o John Rambo, ma nessuno che ritragga realmente e fedelmente le migliaia di soldati e Marines ai quali, all’epoca come oggi, non veniva detto a quale scopo facessero quello che facevano e perché si trovassero dove si trovavano, e che in ogni caso ne avrebbero fatto volentieri a meno.

Dopo nessuno ne parlò, questo è un dato di fatto, ma durante quegli anni qualcuno le domande se le pose eccome e cercò di smuovere un buon numero di coscienze. Nacque così dalla mente di un gruppo di autori, attori e cantanti la risposta all’entertainment prebellico di Bob Hope. Un varietà politico e satirico che in 8 mesi fece il giro degli Stati Uniti coast to coast ma che a seguire osò ancora di più.

Il docu-film segue la troupe nella tournée presso le principali basi militari americane sulle isole del Pacifico e ritrae con rinata qualità visiva l’esperienza e le performance dei giovani Donald Sutherland, Jane Fonda e Len Chandler alle prese con il tentativo di nobilitare le proteste degli attivisti contro la guerra del Vietnam agli occhi dei protagonisti della guerra stessa: i soldati (F.T.A = F*** the Army = Free the Army).

Quando oggi mi capita di sentir dire che gli attivisti contro la guerra del Vietnam ce l’avevano con i soldati, vorrei potere rimettere in distribuzione quel film. Non era un capolavoro d’arte, non c’era bisogno che lo fosse. Il semplice fatto che dimostrassimo di essere dalla parte dei soldati era importante. Ciò che facevamo era grezzo, inaudito, scandaloso e, nell’ambiente attuale, totalmente impensabile. Ci riuscimmo, perché i soldati avevano maturato ardenti sentimenti antibellici e antimilitaristici ed erano pronti

Jane Fonda, la mia vita fino ad ora, Mondadori, 2005

La speranza di Fonda di riportare alla luce questo film non è mai stata così vicina a diventare realtà. Grazie anche all’attrice stessa, tra i produttori del documentario, e al supporto di  Hollywood Foreign Press Association, della Cineteca di Bologna e IndieCollect, è stato infatti possibile il restauro del film, presentato in anteprima mondiale proprio a Bologna e presto disponibile in streaming negli Stati Uniti e negli altri paesi.

A sottolineare l’importanza della mission di realtà come IndieCollect e di film come F.T.A è stata la regista statunitense Amalie Rothschild, ferma sostenitrice della conservazione e della diffusione delle pellicole invisibili, che prima della proiezione si è soffermata e ci ha fatto riflettere con particolare interesse e sensibilità sull’enorme influenza che questo tipo di documentari sulle lotte di ieri può avere sulle lotte di oggi.

CR20 – Da Scarface ad Alice nel Paese delle Meraviglie è un attimo. Sul palco del Ritrovato la prémiere del restauro in 4K di À bout de souffle

Amo enormemente A bout de souffle, di cui per un certo periodo mi sono vergognato; ma lo situo dove va situato: sulla linea di Alice nel paese delle meraviglie. Io, invece, credevo che fosse sulla linea di Scarface.

J.L Godard (Il cinema è il cinema, Garzanti, 1981)

Al ventinovenne Jean-Luc Godard A bout de Souffle non piaceva. Non importa che fosse un suo film, il suo primo lungometraggio, per l’esattezza, basato su una sceneggiatura appena abbozzata di Truffaut, e non importa nemmeno che subito i colleghi dei Cahiers du cinéma e il grande pubblico lo abbiano eletto a manifesto della nouvelle vague.

Quello che Godard fa con A bout de Souffle appare come poco più che un esercizio di stile girato in quattro settimane. Con l’intera Parigi a disposizione e cinepresa a mano, Godard disfa e rifà l’intera storia del cinema servendosi dei suoi schemi e al tempo stesso mescolando le carte in tavola e scomponendo ciò che fino a quel momento il pubblico ma anche i cineasti credevano di conoscere, “[…] aprendo l’iride […]” della macchina da presa e inaugurando un nuovo modo di fare cinema in cui “tutto è permesso”. Montaggio Jump cut, inquadrature a mano, direct adress, ‘errori’ linguistici del tutto voluti, sono solo alcune delle innovazioni apportate da Godard al linguaggio cinematografico con un solo film.

A bout de Souffle è un film senza tempo, può infatti essere visto dai “vecchi” di oggi – come li definirebbe Michel Poiccard – e dai meno vecchi di domani con lo stesso stupore di allora e di sempre. Così Marco Bellocchio descrive il primo Godard in una video presentazione prima della proiezione del film, ricordando come l’uscita di Fino all’ultimo respiro (così distribuito in Italia) sconvolse anche e soprattutto la sua generazione e divenne un’ossessione per molti suoi colleghi, in primis Bertolucci.

“Tutto il film era, e credo che sia, un capolavoro. La storia, il modo di girare, il modo di montare, il modo di raccontare è stato veramente rivoluzionario. […] un capolavoro che va visto dalle vecchie e dalle giovani generazioni di cinefili.’Fino all’ultimo respiro’ è un film che ha superato la moda”.

Marco Bellocchio, Bologna, 25 agosto 2020

Nella sfortuna dell’emergenza sanitaria in atto Bologna porta a casa una fortuna immensa e gli ospiti francesi di StudioCanal, dal palco del festival, non mancano a ragione di farcelo notare. Quella alla quale avremmo assistito da lì a pochi minuti sarebbe stata l’anteprima mondiale privata a Cannes della versione restaurata in 4K di A bout de Souffle. All’età di ventitotto anni, quasi coetaneo del Godard dell’epoca, ho avuto quindi l’onore di assistere di persona e in esclusiva alla nuova vita di uno degli spartiacque più significativi della storia del cinema.

Partendo da un negativo della pellicola i laboratori hanno unito due forze principali: quella tradizionale del 35mm originale, e quella digitale tramite tecnologia HDR. Il risultato è un gioiello di film che adesso ci appare davvero come descritto da Bellocchio, etereo e senza tempo, per tutti è per nessuno perché di fatto sottrae cinema per darci cinema, “[…] superando la moda”, attraversando il tempo, lo spazio e le generazioni.

La seconda stagione di The Umbrella Academy è come Antonio Banderas con i capelli lunghi

Fino a pochi anni fa in estate uscivano i cosiddetti ‘tappabuchi’, spin-off o carne da macello, la cui sola funzione era quella di smorzare l’attesa degli spettatori tra una stagione e l’altra di una serie televisiva principale. Per nostra fortuna oggi non possiamo più parlare di serie-solo-televisiva, né di mezzi tradizionali e quindi ragionamenti tradizionali. In altre parole, oggi abbiamo The Umbrella Academy.

Adattamento dell’omonima trilogia a fumetti scritta da Gerard Way (noto alla mia generazione come frontman dei My Chemical Romance) e disegnata da Gabriel Bà, un anno fa questa famiglia disfunzionale di supereroi conquistò gli spettatori con la sua prima stagione. Parlo di conquistato perché ebbe particolare successo, tuttavia, come tante serie odierne, non abbastanza da sentirne parlare per tutto l’anno. Per dirla in altri termini e senza indorare la pillola, ad oggi The Umbrella Academy non è destinata a diventare un cult.

Ciononostante, di supereroi e di supercattivi non se ne ha mai abbastanza. Lo dimostrano le reazioni al recente trailer di The Batman o lo scatenato teaser di Suicide Squad, ma anche il discreto successo di una serie come The Boys, in cui i supercattivi sono i supereroi. Se poi il tema eroistico non è che un pretesto per raccontare un dramma, in questo caso quello famigliare, è presto detto: The Umbrella Academy è una caleidoscopio di antieroismi e spunti per raccontare l’ordinario attraverso lo straordinario, in un continuum (è il caso di dirlo) che si ripete ma non stanca.

The Umbrella Academy è come “Antonio Banderas con i capelli lunghi”, abbiamo cioè a che fare con la stessa serie cui abbiamo assistito durante la prima stagione, ma migliore. La scusa dei viaggi (spoiler) non solo temporali permette di rimpastare la stessa storia potenzialmente all’infinito. Non è tuttavia da tutti riuscire a renderla credibile ogni volta e in questo secondo round possiamo quantomeno affermare che The Umbrella Academy ce l’ha fatta.

Parallela al vol.2 dei fumetti, non a caso intitolato “Dallas”, questa seconda stagione catapulta i nostri eroi(?) negli anni Sessanta. Se la prima stagione cominciava con la reunion di una famiglia divisa, qui abbiamo dunque una famiglia divisa che è intenzionata a ritrovarsi. Certo non mancano gli screzi: l’intera stagione è costellata di deliziosi rinfacciamenti, pugnalate alle spalle e conflitti. Tutto ciò che rende particolare questa serie è presente, con l’unica eccezione che ora i personaggi li conosciamo già bene e non ci resta che approfondirne i caratteri, le scelte e i reciproci destini.

A tirare le fila, è inutile negarlo, sono ancora una volta scene queen come N.5 e Klaus. In questa stagione hanno però maggior rilievo anche gli altri membri della famiglia, in particolar modo Diego e Allison. Duole vedere ancora una volta Vanya imprigionata nel suo ruolo, ma un finale spettacolare salva quel poco che poteva rischiare di apparire un pelo ridondante.

Particolarmente apprezzato il ritorno di molti personaggi secondari tra cui spicca Sir reginald hargreeves, al quale in questa seconda stagione è conferito il respiro che merita.

Per chi suonano le campane di Curon? La recensione del supernatural drama italiano targato Netflix

Sarà stato il ritorno da una settimana di vacanza in Trentino, la montagna o la voglia di fresco. Sta di fatto che alla fine mi sono convinto a guardare Curon. Ne è valsa la pena? Scopriamolo con ordine.

Va detto che ho un precedente e si chiama Luna nera. Non un precedente di serie televisiva che non mi è piaciuta, bensì di titolo che ho totalmente glissato basandomi sulle sole considerazioni della rete. Si tratta di un errore comune, ma che mi sono sempre auto raccomandato di non commettere.

Questa volta ho voluto ignorare i pregiudizi e le malelingue sul tentativo italiano di esplorare un genere come quello supernatural e dare invece ascolto a quella parte della critica che lo promuoveva, se non a pieni voti, come un prodotto che si lascia guardare non così diversamente da gran parte dei prodotti Netflix odierni.

Di serie italiane della piattaforma streaming seguo anche Baby, che è esattamente un buon esempio di ciò di cui stiamo parlando. Non un tipo di serialità televisiva a cui siamo abituati, non lo stesso grado di spettacolarità e di qualità con le quali la televisione d’oltreoceano ma non solo ci hanno nutriti dagli anni Novanta ad oggi. Parliamo certo di una serialità televisiva diversa che non sempre, tuttavia, è sinonimo di qualitativamente inferiore.

Nonostante la premessa, sia chiaro fin da subito che Curon non mi ha conquistato. Non ne tesserò quindi le lodi in maniera indiscriminata, né contraddirò punto per punto chi è arrivato a dire prima di me che ci troviamo di fronte a una serie che “non osa“, “senza carattere e senza mito” o addirittura troppa ambiziosa. Evitare paragoni con mostri sacri come Twin Peaks, tanto per cominciare, aiuterebbe a non bocciarla a prescindere.

I protagonisti di Curon sono Mauro e Daria, due fratelli alle prese con la scomparsa della madre e le riscoperte radici della propria famiglia. Radici che si riflettono, come d’altronde l’intera comunità, nelle acque del lago all’ombra di un vecchio campanile sommerso (che poi esiste davvero, così come la località in cui si svolgono le vicende e che da il titolo alla serie).

Cosa la fa da padrona in tutti e sette gli episodi della prima stagione è proprio l’ambiente e il concetto di doppio. L’ambiente (non in senso ambientalista ma puramente paesaggistico) è qui un vero e proprio personaggio, una lezione imparata non solo da serie come Lost, bensì da tutto un apparato narrativo, fotografico e cinematografico che scomoda dal nostro dopoguerra al Vietnam di De Palma.

Il doppio è il leitmotiv attorno a cui vertono non solo l’estetica della serie (lo specchio d’acqua, il presente e il passato dei personaggi, i due fratelli, la bisessualità di Daria) o il suo messaggio (i due lupi dentro ognuno di noi, Stevenson, lo yin e lo Yang e compagnia) ma anche la storia e la mitologia di riferimento.

Dai primi secondi del primo episodio abbiamo già sulla punta della lingua la parola Doppelgänger. A partire dalla lingua tedesca, il termine indica il nostro doppio, sosia o alter ego. Un Doppelgänger può essere inteso in diversi modi, ma una cosa è certa: ha le nostre sembianze ed è al tempo stesso ‘qualcosa’ di diverso da noi.

I Doppelgänger di Curon che spuntano dalle acque del lago al suon di campana sono scaturite dalle nostre repressioni, le nostre ombre e quello che potremmo definire in maniera riduttiva – e tale viene trattato nella serie fin dal primo episodio – ‘lato oscuro’. Giunti al culmine come delle pentole a pressione, la nostra personalità si sdoppia e il nostro sosia, bagnato fradicio e colmo delle nostre emozioni più negative, viene a cercarci per sostituirci in maniera definitiva.

Il tema sta in piedi. Quello che potremmo confondere con qualcosa di già visto è semplicemente archetipico. Parlando di sosia che ti danno la caccia – figurativamente o letteralmente – saltano subito alla mente i personaggi letterari di Poe, Wilde, Woolf, Dostoyevsky, quelli cinematografici di Siegel, Hitchcock, Nolan, per non parlare di quelli videoludici che non si conterebbero. Cos’è allora che non funziona?

Appurato il cosa, troviamo difficoltà ad accettare il come. Non colpirò facilmente sulla recitazione, non ne ho le competenze e alcune delle interpretazioni le ho trovate comunque discretamente credibili. Affondo invece sulle occasioni (narrative) sprecate, alcune delle parole troppo didascaliche messe in bocca ai protagonisti e delle azioni intraprese dagli stessi, il filtro blu che ‘smarmella’ tutto appiattendo una fotografia alla quale le meravigliose location avrebbero contribuito in larga parte, ma anche l’ossessione per fondere in maniera forzata mito e realtà (è così che poi ti chiedi cosa centrino i soldati nazisti dell’ultimo episodio, o se è poi così credibile la faida tra famiglie fondatrici se non come mezzo per dare un background alla superstizione degli abitanti dal versante tedesco). L’insistenza sulla storia è da ostacolo alla fiction che in questo caso invece funziona: i rapporti tra i personaggi, i flashback, le morti e le risoluzioni. Una nota di merito va soprattutto ai plot twist di cui Curon non è certo orfana, alcune scelte sorprendono e soddisfano, lasciandoti di fronte allo specchio a confessare a te stesso che, se proprio esce, una seconda stagione te la guarderesti.

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